Swiss Grand Award for Design 2020

Swiss Grand Award for Design 2020
for Ida Gut, Monique Jacot and Kueng Caputo

Outstanding designers honoredJune 23, 2020

By Mirjam Fischer, Nathalie Herschdorfer and Corinne Gisel

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
© BAK / Marc Asekhame

The Federal Office of Culture awards fashion designer Ida Gut, photographer Monique Jacot and product designers Sarah Kueng and Lovis Caputo with this year’s Swiss Grand Award for Design. The award is conferred on the recommendation of the Federal Design Commission. The winners are active in widely differing fields, and their outstanding work reflects the diversity of Swiss design. The awards will exceptionally be presented in autumn together with the Swiss Grand Award for Art/Prix Meret Oppenheim and the Jan Tschichold Award.

[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

Ida Gut is one of Switzerland’s best-known fashion designers and renowned as a virtuoso in her field. Her label stands for unique tailoring, high-quality materials, expert craftsmanship and professional continuity. She has run her shop in the heart of Zurich since the mid-1990s, combining design and sales with extremely productive results. She has devised clothing concepts for a number of large companies, including work outfits for Migros and uniforms for Swissôtel.

Photographer Monique Jacot comes from a generation for whom photography is an act of humanistic engagement. Her photojournalism has appeared in various publications both in Switzerland and abroad, including Die Woche, Schweizer Illustrierte, DU, Annabelle and ELLE. Her reportages on women’s professions in Switzerland in the 1980s introduced feminist issues into the world of Swiss documentary photography. For the last few years she has mainly been working on more abstract photography projects.

The work of Kueng Caputo is characterised by great diversity, an appreciation of craftsmanship and colourfully humorous perspicacity. Product designers Sarah Kueng and Lovis Caputo create both high-end objects and do-it-yourself designs that blend a self- reflective approach with an awareness of the volatile challenges of the design world. They are widely known for their “Sand Chairs” series, consisting of coloured stools made from sand and mortar; “Never Too Much” stone-effect bowls made of leather; and their 2016 ceramics collection for Arita.

Launched in 2007 and endowed with CHF 40,000 in each case, the Swiss Grand Award for Design highlights the work of well-known designers that exemplifies the quality and relevance of Swiss design practice nationally and internationally.

Ida Gut gehört zu den bekanntesten Modedesignerinnen der Schweiz und gilt als Virtuosin der Schnittkunst. Ihr Label steht für eine einzigartige Schnitttechnik, hochwertige Materialien, handwerkliches Können und professionelle Kontinuität. Seit der Mitte der 90er Jahre führt sie ihren Laden im Herzen von Zürich und schafft es, die Bereiche Entwurf und Verkauf höchst produktiv zu verbinden. Sie hat verschiedene Bekleidungskonzepte für Grossfirmen entworfen, wie beispielsweise die Berufsbekleidung für die Migros oder Uniformen für Swissôtel.

Die Fotografin Monique Jacot ist Teil einer Generation, für die Fotografieren ein humanistisches Engagement bedeutet. Ihre Arbeit als Fotojournalistin erschien in verschiedenen Publikationen im In – und Ausland, wie Die Woche, Schweizer Illustrierte, DU, Annabelle und ELLE. Mit ihren Reportagen über die Frauenberufe in der Schweiz in den 1980er-Jahren hat sie feministische Themen in die Welt der Schweizer Dokumentarfotografie eingeführt. Seit einigen Jahren widmet sie sich vorwiegend abstrakteren Fotografieprojekten.

Das Werk von Kueng Caputo ist durch eine grosse Vielfalt, eine Wertschätzung für das Handwerk und einen humorvoll-farbigen Scharfsinn gekennzeichnet. Mit einer selbstreflektierten Haltung und einem Bewusstsein für die volatilen Herausforderungen der Designwelt produzieren die beiden Produktde- signerinnen Sarah Kueng und Lovis Caputo sowohl High-End Objekte als auch Do-it-yourself Designs. Weit bekannt sind ihre Serien “Sand Chairs“, Farbige Hocker aus Sand und Mörtel, “Never Too Much“, steinartige Schalen aus Leder und ihre Keramikkollektion für Arita aus dem Jahr 2016.

Seit 2007 hebt der Schweizer Grand Prix Design, dotiert mit je 40 000 Schweizerfranken, das Werk von namhaften Designerinnen und Designern hervor, das im nationalen und internationalen Kontext die Qualität und Relevanz der Schweizer Designpraxis repräsentiert.

Virtuose de l’art de la coupe, Ida Gut fait partie des créatrices de mode suisses les plus connues. Son style se distingue par sa technique de coupe unique, ses matériaux de haute qualité, son savoir-faire artisanal et sa continuité professionnelle. Depuis le milieu des années 1990, Ida Gut tient sa propre boutique, située au cœur de Zurich, et réussit à concilier la conception et la vente de ses vêtements de manière très productive. Elle a conçu plusieurs lignes vestimentaires pour de grandes entreprises, comme les tenues de travail de la Migros ou les uniformes de Swissôtel.

La photographe Monique Jacot fait partie d’une génération pour qui photographier signifie un engagement humaniste. Son travail en tant que photojournaliste est paru dans plusieurs journaux et magazines en Suisse et à l’étranger, comme Die Woche, Schweizer Illustrierte, DU, Annabelle et ELLE. Grâce à ses reportages sur les conditions de travail des femmes en Suisse dans les années 1980, elle a introduit des thèmes féministes dans le monde de la photographie documentaire suisse. Depuis quelques années, elle se consacre principalement à des projets photographiques plus abstraits.

L’œuvre de Kueng Caputo se caractérise par une grande diversité, une valorisation de l’artisanat et une ingéniosité mâtinée d’un humour haut en couleur. Avec une attitude introspective et la conscience des défis volatiles du monde du design, les deux designers de produits Sarah Kueng et Lovis Caputo produisent autant des objets haut de gamme que des créations à monter soi-même. Leurs séries «Sand Chairs», des tabourets colorés faits de sable et de mortier, et «Never Too Much», des bols en cuir ayant l’aspect de la pierre, ainsi que leur collection de céramiques pour le projet Arita de 2016 sont bien connues.

Depuis 2007, le Grand Prix suisse de design, doté de 40 000 francs, distingue l’œuvre de designers renommé∙e∙s qui attestent devant le public suisse et international de la qualité et de l’importance du design de notre pays.

Essay by Mirjam Fischer
Essay von Mirjam Fischer
Essay par Mirjam Fischer
Ida Gut. Fashion Design as Architectural Precision Work
Ida Gut. Modedesign als architektonische Präzisionsarbeit
Ida Gut. Le design de mode comme architecture de précision
[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

In the almost 30 years that Ida Gut has been designing clothes, she has consistently cultivated an outstanding signature style. As one of Switzerland‘s most famous fashion designers, she has created a label that stands for unique patterns, high-quality materials, handcrafted excellence, and professional continuity. Gut grew up in Appenzell; having trained as a dressmaker, she completed her studies at the Zurich University of the Arts and designed her first collection in 1993. Three years later she opened her first store in the heart of Zurich, where she combined her skills in design and sales with great proficiency. In 2007, she moved her studio-cum-retail store to Ankerstrasse 112 in District 4. 

Known for her unparalleled mastery in patternmaking, she designs every one of her items with a mixture of curiosity, discipline, and expertise, and an unerring eye for no-frills beauty. In the process of development, she will try out a pattern, reject it, develop another one, and keep at it until every detail of the overall design and materials is right.

Ida Gut entwirft seit bald 30 Jahren Mode mit unverkennbarer Handschrift. Sie gehört zu den bekanntesten Modedesignerinnen der Schweiz, ihr Modelabel steht für eine einzigartige Schnitttechnik, hochwertige Materialien, handwerkliches Können und professionelle Kontinuität.  Aufgewachsen ist Ida Gut in Appenzell, sie machte eine Schneiderinnenlehre und absolvierte ein Studium an der Hochschule der Künste in Zürich, bevor sie 1993 ihre erste eigene Kollektion entwarf. Drei Jahre später eröffnete sie ihren ersten Laden mitten in Zürich und verband damit höchst produktiv die beiden Schaffensbereiche Entwurf und Verkauf. 2007 zog sie mit ihrem Atelierladen an die Ankerstrasse 112 im Kreis 4.

Ida Gut gilt als Virtuosin der Schnittkunst. Jedes ihrer Stücke entwirft sie mit einer Mischung aus Neugier, Disziplin und Sachverstand sowie einem klaren Blick für schnörkellose Schönheit. Im Entwicklungsprozess probiert sie Schnitte aus, verwirft sie, entwickelt sie weiter – jedes Detail muss im Zusammenspiel mit dem Gesamtentwurf und der Materialität stimmen.

Ida Gut crée depuis près de 30 ans des vêtements qui portent une signature unique. Elle est l’une des créatrices de mode les plus célèbres de Suisse. Son label est synonyme de coupe incomparable, de matériaux de haute qualité, de savoir-faire artisanal et de continuité professionnelle. Ida Gut a grandi à Appenzell. Après un apprentissage de couturière, elle étudie à la Haute école des arts de Zurich et développe sa première collection en 1993. Trois ans plus tard, elle ouvre sa première boutique au centre de Zurich et réunit ainsi sous un même toit, de façon extrêmement rationnelle, ses activités de création et de vente. En 2007, elle déménage sa boutique-atelier au no 112 de l’Ankerstrasse, dans le 4e arrondissement de la ville.

Ida Gut est considérée comme une virtuose de la coupe. Elle aborde la conception de chacune de ses pièces avec un mélange de curiosité, de discipline et de savoir-faire, le tout servi par un sens inné de la beauté épurée. Dans son processus de création, elle essaie des coupes, les rejette, en reprend le développement: il faut que chaque détail soit en parfaite adéquation avec l’ensemble de la pièce et sa matérialité.

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog

“I like the idea of being able to perceive how a piece of clothing is constructed, its complexity. Veiled yes, but not completely covered up.” — Ida Gut

«Mir gefällt es, die Konstruktion eines Kleidungsstücks sichtbar zu machen oder die Vielschichtigkeit zu thematisieren. Verhüllt sein, aber nicht komplett verdeckt sein.» – Ida Gut

«J’aime rendre visible la construction d’un vêtement ou thématiser la complexité. Ça doit être comme derrière un voile mais pas complètement dissimulé.» – Ida Gut

[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

Ida Gut designs clothing with architectural precision. Sometimes the properties of a fabric will inspire the shape of a silhouette. She has also devised an exacting technique of cutting the sleeves and back of the garment out of the material in one seamless piece. This makes the sleeves fall at a diagonal to the grain of the fabric, so that it lies in soft, flowing folds around the body. 

The meticulous choice of high-quality, distinctive but still utilitarian materials and fabrics is another important hallmark of Ida Gut’s designs. She has a knack for combining functional materials and extravagant fabrics. Her profound knowledge of fashion design stood her in good stead for the several years that she spent developing textiles for a German company. In addition to textile design, Gut also creates lines of clothing, which she did for the first time in the year 2000 for the staff of the Swiss pavilion at the Expo 2000 in Hanover, and subsequently for some 40,000 employees of the Migros supermarket chain. Migros came back to Ida Gut a few years later asking her to rework and expand on her designs. She also introduced elements of the Appenzell folk costume in clothing created for a chain of hotels. Winning the competition to design the outfits for all Swissair personnel is a testament to the excellence of Gut’s work. It was an extraordinary achievement but unfortunately the project fell through when Swissair was grounded. 

Für Ida Gut ist Modedesign eine architektonische Präzisionsarbeit. Umgekehrt kann die Eigenheit eines Stoffes auch die Form einer Silhouette inspirieren. In einer anspruchsvollen Technik werden Ärmel und Rücken oft ohne Naht aus einem Stück Stoff geschnitten. So fällt der Stoff an den Ärmeln schräg zur Webrichtung, legt sich dafür aber in weiche Falten und umfliesst den Körper.

Die sorgsame Auswahl und Verwendung qualitativ hochwertiger Materialien und spezieller, aber auch alltagstauglicher Stoffe ist ein weiteres wichtiges Markenzeichen von Ida Gut. Funktionsmaterialien kombiniert sie mit extravaganten Stoffen. Ihre profunden Kenntnisse im Modedesign liessen sie während mehrerer Jahre erfolgreich an der Textilentwicklung einer deutschen Firma beteiligen. Nebst dem Entwerfen von Stoffen entwickelte sie ab 2000 herausragende Bekleidungskonzepte wie das Outfit für die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter des Schweizer Pavillons an der Expo 2000 in Hannover oder die Berufskleidung für die rund 40 000 Verkaufsangestellten der Migros, die sie einige Jahre später noch einmal überarbeitete und erweiterte. Für die Uniformen einer Hotelkette spielte sie mit Elementen der Appenzeller Tracht. Grosse Anerkennung erhielt Ida Gut, als sie die Ausschreibung für die Uniformen der Swissair und deren Bodenorganisation gewann, ein aussergewöhnlicher Auftrag, der aber bedauerlicherweise infolge des Swissair-Groundings nicht realisiert werden konnte. 

Pour Ida Gut, la création de mode est un travail de précision architecturale. A l’inverse, la singularité d’un tissu peut aussi inspirer la forme d’une silhouette. Par un tour de force technique, Ida Gut utilise souvent pour le dos et les manches une seule pièce de tissu sans couture. Ainsi, le tissu des manches tombe obliquement au sens du tissage et se déploie en plis fluides sur le corps qu’il enveloppe.  

Ida Gut se distingue également par sa maîtrise dans le choix et l’emploi de matériaux de haute qualité et de tissus spéciaux, mais aussi adaptés à un usage quotidien. Elle allie matériaux fonctionnels et tissus extravagants. Ses connaissances approfondies du design de mode lui ont valu de participer avec succès au développement textile d’une entreprise allemande pendant plusieurs années. Parallèlement à son activité dans la conception de tissus, elle a également développé dès le tournant du millénaire des lignes vestimentaires exceptionnelles, comme les vêtements de travail du personnel du pavillon suisse à l’Expo 2000 de Hanovre ou ceux des quelque 40 000 employées et employés de vente de la Migros, qu’elle a retravaillés et encore développés quelques années plus tard. Elle a également réalisé les uniformes d’une chaîne hôtelière en jouant avec des éléments du costume traditionnel appenzellois. Enfin, insigne reconnaissance, Ida Gut a remporté l’appel d’offres pour les uniformes du personnel volant et du personnel au sol de Swissair. Une commande extraordinaire, qui n’a malheureusement pu être réalisée en raison du grounding de la compagnie. 

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
© BAK / Marc Asekhame
Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
© BAK / Marc Asekhame
[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

All of her pieces are made in Switzerland. Having production facilities nearby allows for smoother and more flexible processes, especially since Gut has opted for steady, regular production in contrast to fast fashion with its frenetic carousel of micro collections. This also facilitates fulfilling additional orders. Gut is acutely aware of the importance of qualitative and reliable cooperation based on a shared understanding of design ideas and their implementation. This is the only way individuality can be guaranteed. “You can only get innovation when the production chain is intact and the transfer of knowledge moves in both directions.” Close and fruitful cooperation with the Board of Directors of her limited company ensures healthy growth based on thorough study of the fashion market, regular improvement of procedures, new sales formats, and ongoing development of communications. These factors and, above all, the lively, fruitful exchange among her 6-person team are the ingredients that have made her so successful. 

Sämtliche Stücke werden in der Schweiz produziert. Der nahe Produktionsstandort ermöglicht reibungslose und flexible Prozesse. Dem sich immer schneller drehenden Modekarussell mit all den Zwischenkollektionen stellt Ida Gut eine rollende Produktion gegenüber, um laufend neu oder auch nachproduzieren zu können. Ida Gut weiss um den grossen Wert einer guten und verlässlichen Zusammenarbeit, die auf einem gesamtheitlichen und ähnlichen Verständnis von der Gestaltungsidee und deren Umsetzung basiert. Nur so kann Individualität produziert werden.«Innovation entsteht da, wo die Produktionskette intakt ist und ein Wissenstransfer in beide Richtungen stattfindet.» Die enge und fruchtbare Zusammenarbeit mit dem Verwaltungsrat der Aktiengesellschaft sichert ein gesundes Wachstum dank intensiver Auseinandersetzung mit den Bedingungen des Modemarkts, dank steter Optimierung von Abläufen, Erproben neuer Verkaufsformate und der ständigen Weiterentwicklung der Kommunikation. Dies alles und nicht zuletzt der rege Austausch im sechsköpfigen Team gehört zum Erfolgsrezept von Ida Gut. 

Toutes les pièces sont produites en Suisse. La proximité du site de production garantit des processus souples et efficaces. Au carrousel de la mode qui tourne toujours plus vite, avec sa multiplication de collections intermédiaires, Ida Gut oppose une production en continu, qui lui permet de sortir régulièrement de nouveaux articles ou de reprendre la production d’articles déjà sortis. Elle connaît toute la valeur d’une bonne coopération de confiance basée sur une compréhension holistique et partagée de l'idée de création et de confection. L’individualité est à ce prix. «Pour que l’innovation naisse, il faut que la chaîne de production soit intacte et que l’échange de connaissances se fasse dans les deux sens.» L’étroite et fructueuse collaboration avec le conseil d’administration de la société anonyme assure une croissance saine grâce à une évaluation attentive des conditions du marché de la mode, à une optimisation constante des processus, à l’essai de nouveaux formats de vente et au développement constant de la communication. C’est tout cela, conjugué à de constants échanges d’idées entre les six membres de l’équipe, qui fait le succès de la recette d’Ida Gut.  

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog

“Ida Gut has matched her creativity to a business model that allows her high-quality, exquisitely minimalistic and captivating designs to achieve the perfection she considers essential. Her garments are as individual as her clients and yet she sets up a dialogue between them, transforming her specially conceived shop into a sensual place of encounter and exchange.” — Christoph Hefti, member of the Federal Design Commission until 2019

«Ida Gut hat ihrer Kreativität ein Geschäftsmodell gegeben, in dem ihre hochwertigen, raffiniert minimalistischen und bezaubernden Designs bis zur für sie unabdingbaren Perfektion wachsen können. Ida Guts Kleider und Kundinnen existieren individuell und doch im Dialog zueinander, ihr eigenständig konzipierter Laden wird dadurch ein sinnlicher Ort der Begegnung und des Austausches.» – Christoph Hefti, Mitglied der Eidgenössischen Designkommission bis 2019

«Ida Gut a donné à sa créativité un modèle commercial lui permettant de pousser à la perfection un design de très haute qualité d’une élégance et d’un minimalisme raffiné. Les vêtements d’Ida Gut et les personnes qui les portent existent en tant que tels mais aussi en interaction, et sa boutique, originale dans sa conception, est comme l’incarnation de cette volonté d’échange et de rencontre.» – Christoph Hefti, membre de la Commission fédérale du design jusqu'en 2019

[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

At a time when the fashion industry is under great pressure, Gut’s unconventional, high-quality products, sold with personal and expert advice in an unparalleled retail atmosphere, are a surefire guarantee for long-term continuity. The largely female clientele choose explicitly to go to her store not only because they receive such good advice there but also because the customized interior architecture of this former factory speaks the same language as the clothing on display. Clear-cut design and understated aesthetics go hand-in-hand with a superb fit that is compelling in expression and character and nonetheless adapted to each individual wearer. Time and again, Ida Gut succeeds in creating timeless designs for people of every age and every figure. Cultivating an admirable consistency in matters of style, quality, and innovation, she has given concrete shape to the ideal of wearing comfort that makes a piece of clothing invaluable.

In Zeiten, in denen die Modeindustrie unter starkem Druck leidet, sorgt Ida Gut mit unkonventionellen, qualitativ hochstehenden Produkten, mit persönlicher und fachkundiger Beratung und einem unverwechselbaren Ladenambiente über einen langen Zeitraum für Kontinuität. Die mehrheitlich weibliche Kundschaft kommt ganz bewusst in dieses Verkaufslokal, nicht nur weil sie dort eine spezifische Beratung erfährt, sondern weil die explizit auf Ida Guts Wünsche zugeschnittene Raumarchitektur in dem ehemaligen Fabrikgebäude die gleiche Sprache spricht wie die hier ausgestellte Mode.  So klar der Entwurf und so schlicht die Ästhetik auch ist – Ida Guts Kleidungsstücke überzeugen vor allem durch gute Passform und gleichzeitig durch starken Ausdruck und Charakter, der je nach Trägerin und Träger variiert. Es gelingt ihr immer wieder von Neuem, zeitloses Design für Menschen jeden Alters und unterschiedlicher Figur zu schaffen, mit gleichbleibendem Anspruch in Sachen Stil, Qualität und Innovation. Die Vision vom Tragekomfort, der ein Kleidungsstück unverzichtbar macht, ist bei Ida Gut Realität geworden. 

A une époque où l’industrie de la mode est soumise à une forte pression, Ida Gut assure la continuité sur le long terme avec des produits non conventionnels de haute qualité, un conseil personnalisé et très professionnel et aussi grâce à l’ambiance si particulière qui règne dans sa boutique. La clientèle, essentiellement féminine, apprécie ce lieu non seulement pour les conseils spécifiques qu’elle peut y recevoir, mais aussi parce que l’intérieur de l’ancienne fabrique taillé selon les souhaits d’Ida Gut parle le même langage que la mode qui y est exposée. Clarté du design et esthétique épurée mises à part, ce qui caractérise au plus haut point les vêtements d’Ida Gut, c’est leur bonne coupe et leur force d’expression et de caractère, qui s’adapte comme par magie à la personnalité de celle ou celui qui les porte.  Ida Gut se renouvelle sans cesse et parvient à créer un design intemporel pour des personnes de tout âge et de toute corpulence, sans jamais abandonner ses exigences en termes de style, de qualité et d’innovation. Grâce à elle, le rêve du vêtement dont on ne peut plus se passer, tant il est agréable à porter, devient réalité.

Essay by Nathalie Herschdorfer
Essay von Nathalie Herschdorfer
Essay par Nathalie Herschdorfer
Monique Jacot. From Humanist Reportages to Poetic Experimentation
Monique Jacot. Von der humanistischen Reportage zum poetischen Experimentieren
Monique Jacot. Du reportage humaniste à l’expérimentation poétique
[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

The oeuvre that Monique Jacot has created in the course of the past sixty years is marked by an empathetic signature, testifying to her beginnings in humanist photography. In 1956, upon graduating from the Ecole des arts et métiers (School Of Arts And Crafts) in Vevey, where she studied under the German photographer Gertrude Fehr, Jacot immediately offered her work to the press. At the time, photojournalism had become all the rage, inspiring photographers to leave their studios and set out to discover the world outside. Having published her first photographs in La Gazette Littéraire, French Switzerland's main outlet for cultural information at the time, she set out for Zurich, where she established excellent contact with the German press. Over the next three decades, she worked for newspapers and magazines both at home and abroad, including Die Woche, Schweizer Illustrierte, Du, Camera, Réalités, Times and Geo. Although professional photography was still dominated by men in those days, she rapidly acquired mandates of her own, albeit usually on women's issues. She worked closely with several publications for women, such as Annabelle and Fémina in Switzerland, and Vogue and ELLE in France.

Das Werk der Fotografin Monique Jacot entstand während sechzig Jahren. Sie gehört zu einer Generation, für die Fotografieren ein humanistisches Engagement bedeutet, und entwickelt seit den 1950er-Jahren eine fotografische Arbeit, die von ihrer sensiblen Handschrift geprägt ist. Sie bildete sich an der Ecole des arts et métiers in Vevey aus, wo sie den Unterricht der deutschen Fotografin Gertrude Fehr besuchte. Nach dem Abschluss 1956 entschloss sie sich, ihre Bilder der Presse anzubieten. Der Fotojournalismus war damals sehr gefragt. Die Fotografinnen und Fotografen verliessen ihre Ateliers und machten sich auf, die Welt zu entdecken. Ihre ersten Arbeiten veröffentlichte Monique Jacot in der Gazette Littéraire, dem wichtigsten Presseorgan der kulturellen Information der Romandie. Später zog sie nach Zürich, wo sie hervorragende Beziehungen zur deutschsprachigen Presse aufbaute. Während der folgenden drei Jahrzehnte arbeitete sie für Zeitungen und Zeitschriften in der Schweiz und im Ausland, darunter Die Woche, Schweizer Illustrierte, DU, Camera, Réalités, Times und Geo. In einer Zeit, in der vor allem Männer den Beruf des Fotografen ausübten, kam sie rasch zu Aufträgen, stellte aber fest, dass gewisse Redaktoren ihr lediglich Frauenthemen überliessen. Wie auch immer, sie arbeitete eng mit Magazinen zusammen, die sich an ein weibliches Publikum richteten: Annabelle und Femina in der Schweiz, Vogue und ELLE in Frankreich.

L’œuvre de la photographe Monique Jacot s’étend sur soixante ans. Appartenant à une génération pour qui photographier signifie un engagement humaniste, l’artiste a développé depuis ses débuts dans les années 1950 un travail photographique empreint d’une sensibilité d’auteur. Formée à l’Ecole des arts et métiers de Vevey, où elle suit l’enseignement de la photographe d’origine allemande Gertrude Fehr, elle décide dès sa sortie de l’école en 1956 de proposer ses images à la presse écrite. Le photojournalisme est alors en plein essor. Les photographes sortent de leur studio et partent à la découverte du monde. Monique Jacot publie ses premiers travaux dans La Gazette Littéraire, principal organe d’information culturelle en Suisse romande, puis se rend à Zurich où elle développe une relation privilégiée avec la presse alémanique. Durant les trois décennies qui suivent, elle travaille pour des journaux et magazines en Suisse et à l’étranger, parmi lesquels Die Woche, Schweizer Illustrierte, DU, Camera, Réalités, Times ou Geo. A une époque où la profession de photographe réunit principalement des hommes, elle acquiert rapidement des commandes tout en observant que certains rédacteurs la confinent dans des sujets féminins. Qu’à cela ne tienne, elle collabore étroitement avec des magazines destinés à un lectorat féminin, comme Annabelle et Femina en Suisse, Vogue et ELLE en France. 

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

In addition to commissioned work, Jacot pursued several projects of her own, which she then submitted to the press. During the sixties, she produced a trilogy on girls: a series of gymnasts in Prague, the Legion of Honor schools in France, and the Wycombe Abbey boarding school in England. She addressed her studies of womanhood with enthusiastic commitment. 

Neben ihren Auftragsarbeiten entwickelte Monique Jacot persönliche Projekte, die sie dann der Presse anbot. In den sechziger Jahren realisierte sie eine Trilogie über Mädchen: Sie reiste nach Prag für eine Reportage über Turnerinnen, nach Frankreich zu den Mädchenschulen der Légion d’Honneur und erhielt schliesslich die Erlaubnis, im Mädcheninternat Wycombe Abbey in England zu fotografieren. Sie engagierte sich stark für diese Themen und richtete ihren Blick auf das Weibliche.  

Parallèlement aux travaux de commande, Monique Jacot développe des projets personnels qu’elle propose ensuite à la presse. Dans les années soixante, elle réalise une trilogie consacrée aux jeunes filles: elle se rend à Prague pour réaliser un reportage sur des gymnastes, puis en France au sein des maisons d’éducation de la Légion d’Honneur, une école réservée aux filles, et enfin elle obtient l’autorisation de photographier le pensionnat pour jeunes filles de Wycombe Abbey en Angleterre. Très engagée dans ses sujets, elle développe ainsi un regard sur le féminin.

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
© BAK / Marc Asekhame
Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
© BAK / Marc Asekhame
[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

Monique Jacot traveled extensively throughout her career. She went to the United States, to Russia and made several trips to China. She also reported on such major events as the Prague Spring and Franco's funeral in Spain. She began working for the WHO (World Health Organization) in 1959 on missions that enabled her to travel to various countries in Africa and the near East, notably Yemen. The many events she covered over the years reinforced her interest in the feminist cause. In 1984, Jacot began covering the everyday life of Swiss peasant women, culminating in the publication Femmes de la terre (Women Land Workers, 1998). In a similar vein, she then spent two years, from 1991 to 1993, photographing women’s protest movements in Switzerland which led to the publication of Printemps de Femmes (Women’s Spring, 1994). Work on Cadences. L'usine au féminin (Cadences, Factories In The Feminine) also commenced in 1991, later becoming a touring exhibition starting in 1999. Jacot’s studies of  the feminine condition in Switzerland over a period of fifteen years were a pioneering achievement, drawing attention to long neglected and underrated concerns. Her reportage was an intimate sign of solidarity. These three projects on women testify to the enduring impact of documentary photography. Now, with the crisis that faces media, Monique Jacot has essentially retired from photo journalism in order to devote herself to projects of her own presented in publications or exhibitions.

Während ihrer gesamten Karriere ist Monique Jacot immer unterwegs. Sie war in den Vereinigten Staaten und in der Sowjetunion, reiste mehrmals nach China, fotografierte den Prager Frühling und Francos Begräbnis in Spanien. Viele ihrer Reisen machte sie für die Weltgesundheitsorganisation, für die sie seit 1959 tätig war. Diese Aufträge ermöglichten es ihr, in Länder in Afrika und im Nahen Osten zu reisen, vor allem in den Jemen. 
Die Themen, mit denen sie sich im Laufe der Jahre befasste, stärkten ihr Interesse für den Feminismus. 1984 arbeitete sie zum Alltag der Schweizer Bäuerinnen und veröffentlichte die Bilder 1989 im Buch Femmes de la terre. Zwei weitere sollten folgen. Printemps de Femmes entstand zwischen 1991 und 1993 und ist der Bewegung der Frauenproteste in der Schweiz gewidmet. 1991 begann Monique Jacot mit Cadences. L’usine au féminin, das sie ab 1999 in Ausstellungen zeigte. Während mehr als fünfzehn Jahren befasste sich Monique Jacot mit der Situation der Frauen in der Schweiz, die bis dahin in der Fotografie noch kaum ein Thema war. Die Beobachtungen waren gewollt intim und solidarisch. In den drei Reportagen über die Frauenfigur zeigt Monique Jacot, dass die dokumentarische Fotografie ihre Wirkung nicht verloren hat. In einer Zeit, in der sich die Presse in einer Krise befand, entfernte sich Monique Jacot immer mehr vom Fotojournalismus. Sie führte ihre grossen Projekte allein und ohne Auftrag durch und vermittelte sie durch Publikationen oder Ausstellungen. 

Tout au long de sa carrière, Monique Jacot n’a jamais cessé de voyager. C’est ainsi qu’elle se rend aux Etats-Unis comme en URSS, fait plusieurs voyages en Chine, photographie le Printemps de Prague ou l’enterrement de Franco en Espagne. De nombreux voyages sont effectués pour le compte de l’Organisation mondiale de la santé, pour qui elle travaille dès 1959. Ces missions lui permettent de se rendre dans différents pays d’Afrique et du Proche-Orient, notamment au Yémen. Les sujets couverts au fil des ans renforcent l’intérêt de Monique Jacot pour la cause féminine. En 1984, elle entame un travail consacré au quotidien des paysannes suisses, sujet qui paraîtra en 1989 dans un livre intitulé Femmes de la terre. Deux autres sujets suivront. Printemps de Femmes, réalisé entre 1991 et 1993, qu’elle consacre aux mouvements de contestation féminine en Suisse, puis Cadences. L’usine au féminin, débuté en 1991 et qui circulera sous forme d’exposition à partir de 1999. Ainsi durant plus de quinze ans, Monique Jacot traite de la condition féminine en Suisse, thème alors peu abordé en photographie. L’observation se veut intime et solidaire. Avec ces trois reportages consacrés à la figure de la femme, Monique Jacot montre que la photographie-document conserve toute sa force. Dans un monde où la presse est en crise, elle s'éloigne de plus en plus du photojournalisme et réalise seule et sans commande ses grands projets, qu'elle diffuse à travers des publications et des expositions. 

“Activism is linked to my life story as a woman. At all times I have been independent, autonomous, active. I wanted to bear witness to the labor conditions of women around the world. I have always thought of myself as on a par with men. Yet I was also aware that women were being confined to certain roles.” — Monique Jacot

«Der Aktivismus ist mit meiner Lebensgeschichte als Frau verbunden. Ich war immer unabhängig, autonom, aktiv. Ich wollte Zeugnis ablegen von der Stellung der Frauen in der Arbeitswelt. Ich habe mich den Männern gegenüber immer als gleichwertig betrachtet. Aber ich war mir auch bewusst, dass Frauen in bestimmten Rollen gefangen waren.» – Monique Jacot

«Le militantisme est lié à mon parcours de femme. J’ai toujours été indépendante, autonome, active. Je voulais témoigner sur les conditions de la femme dans le monde du travail. Je me suis toujours considérée comme l’égale des hommes. Mais j’étais également consciente que les femmes étaient confinées dans certains rôles.» – Monique Jacot

[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

Jacot’s social and political reportage developed into a humanist vision in black-and-white. In the 1970s and '80s, she expanded her repertoire, devoting herself not only documentary work but also to visual experimentation. She conducted research with her Leica and especially with Polaroid photography, creating “transfers,” which involves reinterpreting and recomposing motifs selected from her negatives. The resulting monotypes, that is, unique works, chart new visual and chromatic territory. 

At the start of the 21st century, Jacot’s work once again took a new turn, this time shifting away from the human figure. She produced a series on the Val d'Anniviers (Canton of Valais) and, in the year 2000, at the age of 66, she was awarded a residency in Shabramant, Egypt. There, conventional reportage yielded to new techniques and a different, more pictorial subject matter, including still lifes. She experimented with photograms and intaglio engraving, working with the engraver Pietro Sarto in St. Prex.

In ihren Reportagen mit gesellschaftlichem und politischem Inhalt drückte sie sich noch schwarz-weiss aus, in den Siebziger- und Achtzigerjahren entdeckte die Künstlerin dann eine Fotografie, die sich vom dokumentarischen Stil entfernt hatte. Ihre Recherchen führten sie zu neuen Bildproduktionen, in denen das visuelle Experimentieren vorherrschte. Parallel zur Arbeit mit der Leica nutzt Monique Jacot nun auch andere fotografische Mittel, vor allem Polaroid. Es entstehen Arbeiten, die sie «Transfers» nennt. Eine Technik, die sie dazu bringt, ihre Negative wieder hervorzuholen, um daraus Motive auszuwählen und diese umzuinterpretieren und neu zusammenzusetzen. Daraus entstehen einzigartige Bilder, ausgehend vom Polaroidnegativ, das sie auf ein schönes Zeichenpapier transferiert. Für die Künstlerin sind die Monotypien neue visuelle Territorien und einzigartige chromatische Entdeckungen.  

Seit Beginn des 21. Jahrhunderts findet eine Veränderung in ihrer Arbeit statt. Sie stellte den Menschen in den Hintergrund und realisierte eine Serie zur Landschaft des Val d’Anniviers im Wallis. Im Jahr 2000, mit 66 Jahren, reiste Monique Jacot für eine Künstlerresidenz nach Shabramant/Kairo in Ägypten und gab die klassische Reportage definitiv auf, um sich der bildhaften Arbeit zu widmen. Sie interessiert sich für das Fotogramm und den Tiefdruck, mit dem sie beim Kupferstecher Pietro Sarto in St-Prex experimentiert. Das Stillleben tritt neu im Werk von Monique Jacot auf. Die Künstlerin lässt ihrer Vorstellungskraft freien Lauf und schafft Bilder mit einer eigenen Zeitlichkeit.  

Alors que ses reportages à dimension sociale et politique se développent dans une vision humaniste qui s’exprime en noir et blanc, l’artiste explore dès les années 1970-1980 une photographie qui s’éloigne du style documentaire. Ses recherches l’emmènent vers de nouvelles productions d’images où prime l’expérimentation visuelle. Parallèlement au travail au Leica, Jacot s’essaie désormais à d’autres procédés photographiques. Elle crée des «transferts» Polaroid où elle revisite ses négatifs pour y choisir des motifs à réinterpréter et recomposer grâce à cette technique. Le résultat est à chaque fois une image unique réalisée à partir du négatif du Polaroid qu’elle transfert par contact sur un beau papier à dessin. Pour l’artiste, les monotypes qu’elle crée présentent à la fois de nouveaux territoires visuels et des explorations chromatiques inédites. 

Un changement s’opère dans son travail au tournant du 21e siècle. Reléguant la figure humaine au second plan, Monique Jacot développe une série autour du paysage au Val d’Anniviers, en Valais. En 2000, alors âgée de 66 ans, la photographe part en résidence d’artiste à Shabramant/Caire, en Egypte, et délaisse définitivement le reportage classique au profit d’un travail qui se veut pictural. Elle s’intéresse au photogramme et à la gravure en taille douce, qu’elle expérimente auprès du graveur Pietro Sarto à St-Prex. La nature morte fait son entrée dans l’œuvre de Monique Jacot. L’artiste laisse libre cours à son imaginaire en créant des images qui s’inscrivent dans une nouvelle temporalité.

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog

“Committed, curious, artist and poet, Monique Jacot photographs what she is, Monique Jacot is what she photographs: a resolutely free woman.” — Tatyana Franck, member of the Federal Design Commission

«Engagiert, neugierig, Künstlerin und Dichterin, Monique Jacot fotografiert was sie ist, Monique Jacot ist, was sie fotografiert: eine resolute und freie Frau.» – Tatyana Franck, Mitglied der Eidgenössischen Designkommission

«Engagée, curieuse, artiste et poète, Monique Jacot photographie ce qu’elle est, Monique Jacot est ce qu’elle photographie: une femme résolument libre.» – Tatyana Franck, membre de la Comission fédérale du design

[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

Having made a name for herself in Swiss photography thanks to her classical work in black-and-white, Jacot boldly set out, late in life, in a different direction, venturing into the third dimension and taking an increasingly abstract and poetic approach. Her oeuvre bears witness to an independent mind, to an artist who works out-of-the-box, following a path between auteur photography and visual play in the pursuit of interests that transcend passing trends and developments. 

Monique Jacot hat in der Schweizer Fotografie mit ihren klassischen Schwarz-Weiss-Arbeiten einen festen Platz erhalten. Sie hat es aber auch gewagt, andere gestalterische Richtungen einzuschlagen und arbeitet seit einigen Jahren abstrakter und poetischer. Ihr Werk ist das Schaffen einer Künstlerin, die völlig frei arbeitet. Es folgt der Entwicklung des Mediums in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, zwischen Autorenfotografie und visuellen Spielen. 

Alors même que Monique Jacot a obtenu une place au sein de la photographie suisse par son travail classique en noir et blanc, elle n’a pas craint de poursuivre d’autres directions plastiques avec un travail devenu plus abstrait et poétique dans les dernières années. L’œuvre, qui témoigne d’une artiste travaillant en toute liberté, suit l’évolution du médium de la seconde moitié du 20e siècle entre photographie d’auteur et jeux visuels. 

Essay by Corinne Gisel
Essay von Corinne Gisel
Essay par Corinne Gisel
Kueng Caputo. With and against the Flow
Kueng Caputo. Mit und gegen den Strom
Kueng Caputo. Dans le courant et à contre-courant
[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

Sarah Kueng and Lovis Caputo have been working together for twelve years. As Kueng Caputo, they have opened a temporary cardboard hotel, copied the work of their classmates, created stools out of a combination of sand and mortar, made leather look like stone, sprayed fake shadows on porcelain objects, upgraded ordinary bricks by glazing them, organized walks as conversational overtures to critical thoughts on design, issued do-it-yourself designs, and are currently converting a stable into an apartment. All of these diverse projects clearly reveal how much Kueng Caputo appreciate handcrafted work and consistently testify to the humorous, colorful approach of two very sharp thinkers. But there is a more profound and less conspicuous aspect to their work, marked by a self-reflective, thoughtful gravity. They are acutely aware of the ebb and flow in the design industry.

Sarah Kueng und Lovis Caputo arbeiten seit zwölf Jahren zusammen. Als Kueng Caputo haben sie ein temporäres Kartonhotel eröffnet, ihre Mitstudierenden kopiert, Hocker aus einer Sand-Mörtel-Mischung hergestellt, Leder wie Stein aussehen lassen, Porzellanobjekte mit falschen Schatten besprüht, Standardziegelsteine mit Glasuren veredelt, Spaziergänge als Gesprächsöffner, um kritisch über Design nachzudenken, organisiert, Do-It-Yourself-Designs herausgegeben, und zurzeit wandeln sie gerade einen Stall in eine Wohnung um. Was in all dieser Vielfalt schnell auffällt, sind Kueng Caputos Wertschätzung für das Handwerk und ihr humorvoll-farbiger Scharfsinn. Doch etwas anderes Tiefgründiges ist weniger augenfällig: ihre selbstreflexive und ernsthafte Haltung. Sie sind sich den Wogen und Wellen der Designwelt sehr bewusst. 

Sarah Kueng et Lovis Caputo travaillent ensemble depuis douze ans. Sous le nom de Kueng Caputo, elles ont ouvert un hôtel temporaire en carton, copié les travaux de leurs camarades d’études, fabriqué des tabourets à partir d’un mélange de sable et de mortier, donné au cuir l’aspect de la pierre, créé des effets d’ombres sur des objets en porcelaine, ennobli des briques en les enduisant d’émail, organisé des promenades invitant à deviser sur le design, conçu des objets «à faire soi-même» et elles sont actuellement en train de transformer ensemble une étable en appartement. Ce qui ressort d’abord de toute cette diversité, c’est l’amour de Kueng Caputo pour l’artisanat et leur ingéniosité mâtinée d’un humour haut en couleur. Mais il y aussi quelque chose de plus profond et de moins visible: le sérieux du questionnement. Elles ont fortement conscience des vagues et des ressacs du monde du design.

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog

“The works of Kueng Caputo are renowned for the exceptionally high quality of their designs. Their studio is full of unexpected form, colour and material combinations, seemingly the outcome of a light-hearted process of research. At first glance, one might suppose this excellence to be the product of playful instinct and technical skill alone — were it not for their firm opinions on many of the burning issues of the day. That combination is more vital now than ever.” — Jörg Boner, chair of the Federal Design Commission

«Die Arbeiten von Kueng Caputo zeichnen sich durch eine ausserordentlich hohe Entwurfsqualität aus. Scheinbar spielerisch forschend entstehen in ihrem Studio unerwartete Formen, Farb-, und Materialkombinationen. Auf den ersten Blick scheint es, dass einzig Spieltrieb und Können zu dieser hohen Qualität führt. Wäre da nicht eine dezidierte Haltung zu vielen der brennenden Problemen unserer Zeit. Diese Kombination ist heute nötiger denn je.» – Jörg Boner, Präsident der Eidgenössischen Designkommission

«Le design des objets conçus par Kueng Caputo est d’une qualité exceptionnelle. Les combinaisons de formes, de couleurs et de matériaux inattendues qui sortent de leur atelier semblent être le fruit d’une recherche ludique. A première vue, seuls un instinct joueur et un grand savoir-faire permettent en effet de concevoir des objets d’une telle qualité, s’il n’était cette affirmation d’une position déterminée face à nombre des problèmes brûlants de notre temps. Cette combinaison est aujourd’hui plus nécessaire que jamais.» – Jörg Boner, président de la Commission fédérale du design

[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

One of their first collaborations was their graduation project at the Zurich University of the Arts in 2008. They decided to explore the challenging subject of the copy. As Lovis Caputo puts it, “In design, you’re always trying to make something new and you don’t want anyone to copy you, and yet people are always talking about being inspired by others. This paradoxical rhetoric already starts in school.”

They singled out one aspect in several of their classmates’ diploma projects and reinterpreted it. The resulting series of replicas or “copies” was presented at the graduation exhibition along with the originals. “You could tell pretty quickly that it was about a dialogue between the objects,” Sarah Kueng says. “As a result, people took a closer look at the originals because our copies drew attention to certain details.” The project, with the matter-of-fact title Copy, caused heated debate, and the diploma jury just barely passed it. Shortly afterwards another jury, that of the Swiss Design Award of the Federal Office of Culture, selected it as a winner. The same thing that one body of jurors sees as going too much against the flow can be found worthy of an accolade by another. 

Eines ihrer ersten Projekte als Duo war die gemeinsame Diplomarbeit an der Zürcher Hochschule der Künste im Jahr 2008, in der sie sich dem diffizilen Thema der Kopie annahmen. «Im Design zielt man immer darauf ab, etwas Neues zu machen, will ja nicht kopiert werden, und doch spricht man ständig von Inspiration. Diese paradoxe Rhetorik beginnt schon in der Schule», sagt Lovis Caputo dazu.

Sie kreierten eine Serie von Repliken, die jeweils einen Aspekt aus den Abschlussarbeiten ihrer Mitstudierenden isolierten und neu interpretierten. Diese «Kopien» wurden dann zusammen mit den Originalen an der Abschlussausstellung gezeigt. «Es wurde schnell klar, dass es um einen Dialog zwischen den Objekten ging», sagt Sarah Kueng. «Dadurch wurden die Originale jeweils genauer angeschaut, denn unsere Kopien wiesen nochmals auf Details hin.» Über das Projekt mit dem Titel Copy wurde in der Diplomjury kontrovers diskutiert, es wurde nur knapp als Abschlussarbeit akzeptiert. Kurz darauf zeichnete es eine andere Jury, die des Schweizer Designpreises des Bundesamtes für Kultur, mit einem Preis aus. Was von einer Seite als zu sehr gegen den Strom schwimmend angeschaut wird, kann in einem anderen Kontext genau dafür gerühmt werden. 

Un de leurs premiers projets communs a été leur travail pratique de diplôme à la Haute école des arts de Zurich en 2008, dans lequel elles abordaient la délicate question de la copie. «Dans le design, on vise toujours à faire quelque chose de nouveau, on ne veut surtout pas être copié, et pourtant, on parle constamment d’inspiration. Cette rhétorique paradoxale commence dès l’école», nous dit Lovis Caputo.

Les deux étudiantes ont ainsi créé une série de répliques qui, chacune, isolaient et réinterprétaient un aspect spécifique des travaux de diplôme de leurs camarades d’études. Ces «copies» furent présentées à côté des originaux lors de l’exposition finale. «Il est vite apparu que cela donnait lieu à un dialogue entre les objets», explique Sarah Kueng. «Cela a permis de regarder de plus près les originaux, car nos copies en soulignaient des détails». Copy a suscité la controverse au sein du jury du diplôme et n’a été reçu que de justesse comme travail de diplôme. Peu de temps après, le projet était récompensé par un autre jury, celui du Prix suisse de design de l’Office fédéral de la culture. On le voit, ce que certains considèrent comme allant trop à contre-courant peut, dans un autre contexte, être loué précisément pour cette même raison.

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

The prize included a six-month residency in New York. However, since Caputo was refused a visa to the United States, she organized a trip to Japan during the same time. The Copy project instantly piqued the curiosity of designers in both places. The New York Salon 94 gallery invited them to present their work and soon afterwards chose to represent them. Suddenly Kueng Caputo found themselves sucked into the then burgeoning market for collector’s items in design. In the years that followed, a Danish gallery, Etage Projects, also started representing them, and they received invitations from galleries, alternative art spaces, museums, trade fairs, and biennials. 

Als Teil der Auszeichnung gewannen Kueng Caputo eine sechsmonatige Residency in New York. Lovis Caputo wurde jedoch das Visum verweigert, sie organisierte sich stattdessen zeitgleich einen Aufenthalt in Japan. An beiden Orten stiess das Copy-Projekt auf sofortiges Interesse. In New York wurden sie von der Kunstgalerie Salon 94 eingeladen auszustellen und schon bald in deren Programm aufgenommen. Plötzlich fanden sich Kueng Caputo im Sog des damals aufkommenden Designsammlermarktes. In den folgenden Jahren kamen eine weitere Vertretung durch die dänische Galerie Etage Projects dazu sowie Einladungen von Galerien, Spaces, Museen, Messen und Biennalen.

Le prix comportait notamment une résidence de six mois à New York. Lovis Caputo s’étant vu refuser son visa, elle a décidé de passer ces six mois au Japon. Le projet Copy a suscité un intérêt immédiat tant au Japon qu’aux Etats-Unis. A New York, le duo a été invité à exposer par la galerie d’art Salon 94, qui l’a ensuite accueilli dans son programme. Kueng Caputo se sont soudain retrouvées emportées dans le tourbillon du marché du design de collection, qui était alors en pleine émergence. Quelques années plus tard, une deuxième galerie, Etage Projects à Copenhague, présente également leurs travaux et le duo est régulièrement invité à exposer dans des galeries, des espaces, des musées, des foires et des biennales.

Swiss Grand Award for Design 2020 - © © BAK / Marc Asekhame, Swiss Design Awards Blog
[→ English]
[→ Deutsch]
[→ Français]

The market for one-of-a-kind pieces and very small series enabled Kueng Caputo to become independent and chart territory outside of conventional mass production. They still do some work in the high-end segment, such as a recently created collection of objects for the Fendi Fashion House that was showcased at Design Miami 2019. But even before the collector’s market went into decline in the wake of the financial crisis, Kueng Caputo had deliberately begun to pursue projects no longer geared exclusively toward affluent consumers. Over the years, they created several do-it-yourself designs. They also teach regularly at national and international design schools, seizing the opportunity to inquire into the conventional practice of design and find future-oriented solutions. In addition, they often work with specialized artisans, whose knowledge should be preserved and fostered. In 2016, for instance, as part of a Japanese development project under the guidance of Teruhiro Yanagihara, they created the porcelain series As If in close collaboration with the venerable Kin’emon Toen company in Arita. 

Kueng Caputo are increasingly concerned with the social relevance of their endeavors, for the longer they navigate the business world as independent designers, the more acutely aware they become of the currents and forces that are at work. Kueng Caputo see the Swiss Grand Prix Design as an opportunity to take stock. As Caputo puts it, “The prize gives us the freedom and time to question, to reexamine certain things, to reposition ourselves after twelve years, to think about what direction to take next.” And Kueng seconds that, “It gives us a chance to think about what we as human beings and designers have to do, given the situation in the world today.”

Dieser Markt, der durch Unikate und Kleinserien geprägt ist, ermöglichte Kueng Caputo einen Weg in die Selbstständigkeit ausserhalb der klassischen Massenproduktion. Auch heute arbeiten sie teilweise noch im High-End-Segment: Erst kürzlich entwickelte das Duo eine Kollektion von Objekten für das Modehaus Fendi, welche an der Design Miami 2019 gezeigt wurde. Doch schon bevor der Sammlermarkt im Zuge der Finanzkrise abzuebben begann, verfolgten Kueng Caputo Projekte ausserhalb dieses Kontextes, Projekte, die eben nicht nur für die wohlhabende Schicht der Gesellschaft bestimmt sind. So kreierten sie über die Jahre mehrere Do-It-Yourself-Entwürfe. Auch unterrichten sie regelmässig an nationalen und vor allem an internationalen Designschulen und sehen dies als eine Gelegenheit, um über die gängige Designpraxis zu reflektieren und Lösungen mit Weitblick zu finden. Und oft arbeiten sie mit Handwerksbetrieben zusammen, deren Wissen es zu bewahren und zu fördern gilt. So entwickelten sie im Jahr 2016 als Teil eines japanischen Wirtschaftsförderprojektes in enger Zusammenarbeit mit der traditionsreichen Keramikmanufaktur Kin’emon Toen in Arita und unter der Leitung von Teruhiro Yanagihara die Porzellanserie Serie As If.  

Immer mehr stellen Kueng Caputo auch Fragen nach der gesellschaftlichen Relevanz ihres Tuns, denn je länger sie als selbstständige Designerinnen durch diese Welt navigieren, desto mehr sind sie sich deren Strömungen und Kräften bewusst. Den Schweizer Grand Prix Design sehen Kueng Caputo als einen Moment zum Reflektieren. «Der Preis gibt uns die Möglichkeit, uns nach zwölf Jahren wieder neu zu positionieren, einmal anzuhalten und zu schauen, in welche Richtung wir als Nächstes gehen», sagt Lovis Caputo, und Sarah Kueng pflichtet bei: «Es ist eine Chance darüber nachzudenken, was wir als Menschen und Designschaffende in der Situation in der sich unsere Welt befindet, machen müssen.»

Sur ce marché qui se caractérise par des pièces uniques ou des séries limitées, Kueng Caputo ont trouvé une voie indépendante, à l’écart de la production de masse. Aujourd’hui, le duo travaille encore en partie dans le segment haut de gamme. A preuve, la collection développée pour la maison de mode Fendi, qui a eu les honneurs de Design Miami en 2019. Mais avant même le tassement du marché du design de collection consécutif à la crise financière, Kueng Caputo s’étaient mises à travailler sur des projets qui ne sont pas uniquement destinés aux classes aisées de la société. Au fil des ans, elles ont ainsi développé des projets do-it-yourself. Elles enseignent aussi régulièrement dans des écoles de design suisses et surtout internationales, voyant là une occasion de réfléchir sur les pratiques actuelles du design et de chercher des solutions porteuses d’avenir. En outre, elles collaborent souvent avec des entreprises artisanales, dont elles estiment que le savoir-faire doit être préservé et valorisé. En 2016, par exemple, elles ont développé la série de porcelaines As If en étroite collaboration avec le fabricant de céramique traditionnelle Kin’emon Toen à Arita et sous la conduite de Teruhiro Yanagihara, dans le cadre d’un projet de développement économique japonais.

Plus les années passent et plus Kueng Caputo s’interrogent sur la pertinence sociale de leur travail, avec une conscience aiguë des courants et des forces qui gouvernent ce monde dans lequel elles évoluent. Pour Kueng Caputo, le Grand Prix suisse de design est l’occasion de s’accorder un moment de réflexion. «Cette récompense nous donne la possibilité de réexaminer certaines choses, pour pouvoir nous repositionner après douze ans, faire une halte et voir dans quelle direction nous allons nous engager ensuite», déclare Lovis Caputo. Et Sarah Kueng d’ajouter: «C’est l’occasion de réfléchir à ce que nous, en tant qu’êtres humains et en tant que créatrices de design, devons faire dans l’état où se trouve notre monde actuel.» 

Mirjam Fischer

is an independent book producer (mille pages) and editor in the fields of art, photography and design. Previously she was head of publications at the Museum für Gestaltung Zurich and publishing director at Edition Patrick Frey.

Mirjam Fischer

ist als unabhängige Buchproduzentin (mille pages) und Herausgeberin im Bereich Kunst, Fotografie und Design tätig. Zuvor war sie Leiterin der Publikationen am Museum für Gestaltung Zürich und Verlagsleiterin bei der Edition Patrick Frey.

Mirjam Fischer

est une productrice de livres indépendante (mille pages) et une éditrice dans les domaines de l'art, de la photographie et du design. Auparavant, elle était responsable des publications au Museum für Gestaltung de Zurich et directrice de publication aux Éditions Patrick Frey.

Nathalie Herschdorfer

is a curator and art historian specializing in the history of photography. She is Director of the Museum of Fine Arts Le Locle, Switzerland, where she has organized many important photography shows for the last 4 years, including Alex Prager, Hiroshi Sugimoto, Vik Muniz, Todd Hido, Garry Winogrand and Henri Cartier-Bresson. She has also been working as a curator with the Foundation for the Exhibition of Photography FEP for several years, working specifically on projects dedicated to fashion photography. Previously, she was a curator at the Musée de l’Elysée in Lausanne (Switzerland), where she worked on major exhibitions. Her most recent publications are Body: The Photography Book (published by Thames & Hudson and including the works of more than 175 contemporary photographers) and Mountains by Magnum Photographers (published by Prestel).

Nathalie Herschdorfer

Nathalie Herschdorfer ist Kuratorin und Kunsthistorikerin, spezialisiert auf Fotografiegeschichte. Sie leitet das Musée des beaux-arts du Locle, wo sie in den letzten vier Jahren viele wichtige Ausstellungen von Fotografinnen und Fotografen wie Alex Prager, Hiroshi Sugimoto, Vik Muniz, Todd Hido, Garry Winogrand und Henri Cartier-Bresson organisiert hat. Als Kuratorin hat sie auch mehrere Jahre für die Foundation for the Exhibition of Photography FEP; gearbeitet und sich dabei insbesondere der Modefotografie gewidmet. Zuvor war sie Kuratorin am Musée de l’Elysée in Lausanne und hat dort an bedeutenden Ausstellungen mitgewirkt. Ihre letzten Publikationen sind Body: The Photography Book (bei Thames & Hudson; mit Arbeiten von mehr als 175 zeitgenössischen Fotografinnen und Fotografen) und Mountains by Magnum Photographers (bei Prestel).

Nathalie Herschdorfer

est commissaire d’exposition et historienne de la photographie. Elle dirige le Musée des beaux-arts du Locle en Suisse où elle a exposé de nombreux artistes, parmi lesquels Georg Baselitz, Sol Lewitt, Andy Warhol, Alex Prager, Hiroshi Sugimoto, Vik Muniz, Todd Hido, Garry Winogrand et Henri Cartier-Bresson. Elle travaille comme curatrice auprès de la fondation américaine FEP (Foundation for the Exhibition of Photography). Très active dans la photographie contemporaine et suivant de près son actualité, elle a été invitée à organiser de nombreuses expositions au niveau international (dans différents pays d’Europe, en Australie, Chine, Corée du Sud et aux Etats-Unis). Elle enseigne la photographie contemporaine à l’ECAL (Lausanne), et est l’auteure de plusieurs ouvrages. Son dernier ouvrage intitulé CORPS réunit sur 430 pages les travaux de plus de 175 photographes contemporains (Fonds Mercator / Thames & Hudson / Einaudi Editore, 2019).

Corinne Gisel

common-interest (Nina Paim and Corinne Gisel) is a non-profit design research practice based in Basel, co-founded by Nina Paim and Corinne Gisel in 2018. Our mission is to use design research to make socially relevant insights public and amplify underrepresented stories and perspectives. We operate at the intersection of knowledge production, exchange, and mediation, and produce texts, publications, exhibitions, workshops, events, and more. In 2019, common-interest received a Swiss Design Award in the category of design mediation for curating the exhibition Department of Non-Binaries at the inaugural Fikra Graphic Design Biennial in Sharjah (UAE).

Corinne Gisel

common-interest (Nina Paim und Corinne Gisel) ist eine gemeinnützige Designforschungspraxis mit Sitz in Basel, die 2018 von Nina Paim und Corinne Gisel gemeinsam gegründet wurde. Unsere Mission ist es, mit Hilfe der Designforschung gesellschaftlich relevante Einsichten öffentlich zu machen und unterrepräsentierten Geschichten und Perspektiven eine Plattform zu geben. Wir arbeiten an der Schnittstelle von Wissensproduktion, -austausch und -vermittlung und produzieren Texte, Publikationen, Ausstellungen, Workshops, Veranstaltungen und mehr. Im Jahr 2019 erhielt common-interest einen Swiss Design Award in der Kategorie Designvermittlung für die Kuratierung der Ausstellung Department of Non-Binaries an der Eröffnungsfeier der Fikra Grafikdesign-Biennale in Sharjah (Vereinigte Arabische Emirate).

Corinne Gisel

common-interest (Nina Paim et Corinne Gisel) est une agence à but non lucratif de recherche en design basée à Bâle, cofondée par Nina Paim et Corinne Gisel en 2018. Notre mission est d'utiliser la recherche en design pour rendre publiques des idées socialement pertinentes et d’amplifier des histoires et des perspectives sous-représentées. Nous opérons à l'intersection de l’élaboration, de l'échange et de la médiation de connaissances et produisons, entre autres, des textes, des publications, des expositions, des ateliers et des événements. En 2019, common-interest a reçu un Swiss Design Award dans la catégorie de la médiation du design pour avoir organisé l'exposition Department of Non-Binaries lors de la première Biennale du design graphique Fikra à Sharjah (Émirats arabes unis).

You are using an outdated browser.
Please upgrade your browser to improve your experience.